陶身体剧场：从东方哲学到世界舞台的极简舞动

陶身体剧场（TAO Dance Theater）作为中国当代舞坛的杰出代表，自2008年成立以来，便以其独特的极简主义美学和深刻的身体哲学，迅速在全球范围内建立起声誉。由陶冶、段妮、王好三位核心人物创立的这个舞团，不仅是中国首个受邀在多个世界顶级艺术殿堂演出的现代舞团，更以其前瞻性的创作理念和持续的探索精神，成为国际舞台上一颗耀眼的明星。

这次在维也纳人民剧场几场演出为引起关注，近千人的剧院座无虚席，演出结束后，观众持续热烈地鼓掌，呼应的口哨声不断，而不肯离席而去。

维也纳人民剧场，本人是第一次到此观演，对它的前世今生，作了如下了解。它于 1889 年由费迪南德·格罗斯和亚当·米勒等人共同创建。它的建立旨在为更广泛的观众群体提供戏剧艺术，特别是那些中产阶级和工人阶级的观众，这与当时维也纳城堡剧院的高雅和贵族化形成了对比。

维也纳人民剧场的创建与一位伟大的音乐家——小约翰·施特劳斯有着紧密的联系。施特劳斯是奥地利著名的作曲家，以其圆舞曲而闻名，被誉为“圆舞曲之王”。要知道圆舞曲来源于街头民间音乐，这就决定了他对人民剧院创建产生的影响。他作为维也纳文化的代表人物，施特劳斯的参与为剧场增添了巨大的声望。他的名字吸引了大量观众，使得剧场在创立之初就获得了广泛的社会关注。同时，施特劳斯是剧场最早的赞助人之一，他不仅在经济上提供了支持，还积极参与了剧场的筹资活动。人民剧场的创建宗旨是让戏剧艺术更贴近大众，这与施特劳斯音乐的通俗性和广泛受欢迎程度不谋而合。

因此，维也纳人民剧场在施特劳斯的鼎力支持下，成功地成为了一个面向大众、拥有广泛影响力的文化机构，极大地丰富了维也纳的文化生活，并对后来的戏剧发展产生了深远的影响。

1.维也纳舞蹈节，已有42届

陶身体剧场此次维也纳之行，是受维也纳舞蹈节（ImPulsTanz Vienna International Dance Festival）的邀请，这是两人发起起，初创时由一己之力支撑，经历曲折，创造辉煌，现今已经举办过42届的舞蹈节，产生了世界性的影响，并在音乐艺术舞蹈领域，广受称赞的专业团体。

1984年由制作人卡尔·罗森伯格与巴西舞蹈家伊士梅尔·伊弗共同发起。起初以舞蹈课程为主，后加入演出，现已成为欧洲规模最大的舞蹈节之一，其核心成果与影响力体现在四个维度：

教育体系革新：从基础舞蹈课程转型为以“研究”为核心的实验平台，吸引编舞家开设进阶课程，推动编舞方法论创新。每年舞蹈节期间开设约200个工作坊，涵盖多种舞种并跨界融合。通过“欧洲舞蹈网”计划资助多国青年舞者，形成跨国创作网络。

艺术创新与经典重构：是新作首演与经典重释的核心舞台。呈现多位欧美编舞家代表作，如比利时罗莎舞团创团作多次复排，奠定其舞蹈史地位。玛姬·玛汉作品引发观众思辨，挑战舞蹈本质定义。2015年与难民合作的作品拓展了舞蹈的社会维度。

跨文化对话平台：推出“欧洲舞蹈园地”计划，推动多国舞者竞赛与交流。深化亚洲合作，2016年“Trans Asia Portraits”项目呈现中日韩舞蹈及纪录片，促成中西舞种互鉴。与伦敦沙德勒之井剧院等形成全球巡演链。

行业生态塑造：规模与影响力大，2012年获奥地利最高艺术奖。重新定义“舞蹈”边界，推动“非舞动作”纳入美学讨论，重估熟龄舞者价值。

ImPulsTanz以教育孵化、创作实验、全球对话、社会介入四维联动，重塑了舞蹈节的文化功能。它实现了遗产化，将经典推向非遗级地位；公民化，让难民、素人、残障舞者成为主角；跨界化，与交响乐、视觉装置等融合。2025年，走过42届的ImPulsTanz仍以“舞蹈即研究”为内核，持续扩展身体的表达疆域。它不仅是欧洲舞蹈的引擎，更成为全球舞者的精神坐标，持续推动着当代舞蹈的发展与进步。

2.舞团的创立：从叛逆探索到体系构建

陶身体剧场的创建，源于创始人陶冶和段妮对传统舞蹈形式的深刻反思与突破渴望。陶冶和段妮都曾在中国传统舞蹈体系中受过严格训练，并在多个知名舞团中担任舞者。然而，他们并未满足于既有的表现模式，而是渴望创造一种更纯粹、更本质的身体语言。这种对“纯舞蹈”的追求，是陶身体剧场诞生的核心缘由。

在当时，中国的现代舞仍在发展初期，大多作品仍受到西方现代舞流派的影响。陶冶和段妮希望能够创造出一种具有东方哲学内涵，同时又能与国际语境对话的舞蹈。他们选择了一条艰难的道路：从头开始，摒弃繁杂的叙事和技巧，将焦点重新投向身体本身。他们用最简约的方式，探索身体的无限可能性，这不仅需要极大的勇气，也意味着他们必须承受来自各方面的质疑与挑战。

舞团的创立是一个筚路蓝缕的过程。在缺乏资金、资源和广泛认同的情况下，他们坚持着自己的艺术理念，据说在疫情期间，剧团被迫解散。他们坚持下来了，通过一次次排练、一场场小规模演出，逐步打磨出自己的风格。从最初的《2》《3》到后来的“数位系列”，每一个作品都像是他们探索旅程中的一个里程碑，记录着舞团从青涩走向成熟的蜕变。

在《16》演出前，观众面对帷幕，当它徐徐开启，没有任何语言和文字的解释，音乐只是一种节奏打击乐，这音乐好像是配合舞蹈的一种节奏罢了。如此留下了巨大的艺术空间，让观众参与创作。中场休息时，我们便展开热烈的讨论，有人认为这是“龙之舞”，展示民族精神，还有人认为这是呈现当前社会现实，更有人认为这是表达青年人一种失落、迷惘和不甘沉沦的挣扎——在我看来，都对。只是不要问一句：“你看懂了吗？”因为你必须参与完成创作，这就是它的特色之所在。

它赢得观众之心，就是这种深度互动。

3.舞蹈特色：极简主义与东方哲学

陶身体剧场的舞蹈风格，最显著的特点便是其极简主义。这种极简并非“空无一物”，而是“大道至简”。陶冶的编舞理念受到了东方哲学，尤其是禅宗思想的深刻启发。他认为，身体是表达的载体，而过多的情绪、叙事和技巧反而会成为一种束缚。因此，他选择“减法”创作：

肢体运动的简化：舞者不再以复杂的舞步和手势来讲述故事，而是专注于单一的身体律动，例如脊柱的波浪、手臂的循环。这种重复且克制的动作，不仅让观众能够更深入地观察身体本身，也营造出一种冥想般的气氛。一群黑衣人，在扭动、舞蹈，聚光灯下，露出的手和赤着脚，显得格外显眼。

音乐与灯光的极简：陶身体的作品常常没有传统的音乐伴奏，而是利用舞者身体的律动所产生的“身体音响”，或是只使用极简的声效。灯光设计同样如此，常常只使用简单的光束或光影，将观众的注意力完全集中在舞者的身体上。我注意到《16》灯光，先是惨白色，再是柔和色，最后是橘红色，身体灵动更抓人眼球。

作品命名的简化：所有作品都以数字命名，如《16》《17》，这进一步弱化了作品的故事性和情感指向，让观众直接面对纯粹的身体和空间。不得不说，数字化的命名，更是陶身体舞蹈特色中的特色，恰恰数字化的命名，产生的创新，给观众更多的联想。我甚至联想到它具有前瞻性，表达我们将在大数据时代的生活形态；我甚至想到古希腊哲学有个数字主宰的流派——“万物皆数”的毕达哥拉斯学派，他们认为数字不仅是计算的工具，更是隐藏在自然界的和谐规律，这种观念成为了他们探索世界的核心。

这种独特的舞蹈风格，与传统舞蹈形成了鲜明对比。传统舞蹈通常拥有明确的叙事、丰富的情感表达和高度技巧化的动作，其目的是“再现”或“讲述”。而陶身体的现代舞，则旨在“呈现”。它不讲述任何故事，也不表达特定的情感，而是让身体本身说话，让观众在观看中产生各自的感悟和联想。陶冶首创的“圆运动体系”，正是这种哲学的具体体现。它通过对身体运动轨迹的精确控制，让舞者达到一种内在的平衡与和谐，这与中国传统太极、气功等文化有着异曲同工之妙。

4.作品概览与2025年维也纳演出

陶身体剧场最著名的作品系列当属“数位系列”。从《2》到我们观看的《16》《17》，这一系列作品贯穿了舞团的整个发展历程，每一部都代表着他们对身体探索的最新成果。2025年8月9日在维也纳人民剧院演出的作品，正是《16》和《17》。

《16》：作为“数位系列”的最新作品之一，它延续了舞团一贯的极简美学，并可能在动作和编排上有所创新。观众可以期待看到舞者们在舞台上通过精炼的身体语言，营造出一种强大的气场和视觉张力，我们在场间休息时做过讨论，我还相信，套用一句话，“人人心中皆有一个哈姆雷特”，这次千余观众，就有千余《16》的感受和联想。

《17》：这部作品可能会与《16》形成某种对话或对比，共同构成一场完整的演出。在陶冶的创作中，相邻数字的作品常常有内在的关联性，但又各有侧重，共同探索身体与空间、时间、光影的关系。如果说《16》只是着重呈现身体表达，那么《17》便借用了语言，歌词以及简短的感叹词。我试图仔细分辨这些词汇的构成，从中找到明确的含义，只是听了类似“无我”（还不敢肯定）的词汇。而全场的西方观众，恐怕对他们发出的语言更是一无所知。这样即使多了语言的呈现，我想依然是给观众一个联想的空间。我甚至想到维特根斯坦的哲学名言：“语言的边界就是世界边界。”他们自创一套舞蹈语言的表达，突破了传统舞蹈的边界，为现代舞蹈探索出了新的边界。有人说，陶身体舞蹈，在开始时，都是讲究秩序的，舞蹈过程中，便颠覆了这种秩序，到了结尾时，依然回到了开始的秩序中，一种生命的循环，自觉的也罢，被迫的也罢，总之就是循环。表达一种含义就是讲究秩序化，颠覆秩序化，回归秩序化。

显然在观赏中，我的心灵出现了两种不同的声音和解读，一种是高端的，东方禅意的，哲学的和玄学的解读，另一个声音，就是粗浅之人解读。幼年时，看过老家春节抽干鱼塘的情形，水被抽干了，鱼离开了水，躺在干枯的地面上，不断挣扎和哀号的情形，怎么样？难道你认为这种解读不对吗？还有，看过一个海钓的视频，一群人在海中密集鱼群里，下钩往上提来，钓起一条，扔到船舱中，那些海鱼，如同“陶身体”般的挣扎。就是说，一千个人眼中的《17》，有两千或三千个《17》哩，甚至一个声音会反驳另一个声音。

不管给我们什么样的联想，都是它的妙处之所在。

就是说，打破传统的舞蹈叙事方式，这些作品的创作灵感并非来源于某个具体的故事，而是源于对身体、对空间、对时间的纯粹感知。这种抽象的表达方式，使得陶身体的舞蹈具有跨越文化和语言的普适性，这也是其能够在国际舞台上获得成功的关键。

5.舞者的选择与国际化视野

陶身体剧场的舞者选拔标准，与其他舞团有所不同。他们不仅需要具备扎实的舞蹈功底，更重要的是，他们必须能够理解和接受陶身体独特的身体哲学。这群舞者并非仅仅是技巧的执行者，而是思想的践行者。舞团的创始人段妮，作为创团舞者和艺术总监，通过对“放松技术”的系统性教学，为舞团培养了一批能够深刻理解和实践这种极简身体美学的舞者。

舞团的国际化视野，并非一蹴而就，而是通过多年的努力和持续的文化交流逐步形成的。

受邀演出：从最初受邀在美国林肯中心艺术节演出，到后来受英国伦敦沙德勒之井剧院的多次委约和邀请，陶身体剧场通过高品质的演出，逐步在国际艺术界建立起口碑。

跨文化合作：舞团与日本设计师山本耀司的Y-3品牌进行现场合作，与台湾云门舞集联合制作《交换作》，这些跨界和跨文化合作，不仅拓展了舞团的艺术边界，也使其获得了更广泛的关注。

媒体关注：多次登上《纽约时报》，并获得《Time Out》杂志“世界十个最佳舞蹈表演之一”的赞誉，这些国际主流媒体的高度评价，进一步巩固了舞团的国际地位。

这些经历，使得陶身体剧场不再仅仅是一个“中国的”舞团，而是一个具有全球影响力的艺术品牌。他们通过舞蹈这一世界语言，将源自东方的哲学思想传递给不同文化背景的观众，形成了独特的国际影响力。

6.未来展望：引领世界潮流？

关于陶身体剧场未来的发展，可以从以下几个方面来探讨：

艺术的深度探索：随着“数位系列”的不断发展，陶身体将继续深化对身体、空间和时间的极简探索。他们可能会在圆运动体系的基础上，发展出新的身体技术，或者尝试更具实验性的跨界合作。

教育与普及：通过“陶身体教室”和“圆运动体系课程”，舞团正在将他们的身体哲学普及给更多人。这种教育体系的建立，不仅能够为舞团培养未来的舞者，更能够将他们的艺术理念推广到大众生活中，产生更广泛的社会影响。

国际影响力的持续扩大：陶身体剧场已经获得了威尼斯双年展舞蹈银狮奖，这标志着他们在世界舞蹈界的地位已得到权威认可。未来，他们有望通过更多的国际巡演、艺术节合作和文化交流，继续扩大其全球影响力，甚至在某种程度上，引领世界现代舞的未来潮流。

陶身体剧场的故事，不仅仅是一个舞团的成功史，更是一个关于如何从本土文化中汲取养分，并用国际化的语言进行表达的典范。他们通过持续的创作和探索，证明了极简主义美学在当代的巨大潜力，也向世界展示了中国现代舞的独特魅力与无限可能。

                  2025年8月10日星期五  维也纳石头巷