漫谈艺术——西方画 vs 中国画
“艺术”这个词，在不同的领域和场合下有着不同的定义和涵义。而按照字典的广义解释，艺术则是人在对自然造物的模仿，补充，改变，或者反其之道的努力。（American Heritage Dictionary DEF Art: Human effort to imitate, supplement, alter, or counteract the work of nature)。
如果说的是西方艺术，就不得不要追溯到古希腊和罗马。许多历史学家认为，古希腊才是西方艺术的发源地。 尽管早在公元前2000多年，地中海（南部尼罗河三角洲）已有了，甚至高度发展了文化艺术。这从埃及的金字塔，法老的墓穴，尸体的保存，以及墓穴中的殉葬品，都可以看得出一些的。但是埃及人固步自封，他们的文化艺术渐渐地消失在世界文明潮流之中，尽管其影响仍可在其它地方留下痕迹。
约公元前 500 到300 年左右，地中海的北部，以苏格拉底(Socrates)，亚里士多德(Aristotle) 和帕拉图(Plato) 为代表的希腊文明进入历史舞台，其艺术也相应达到了最高的级别。 古希腊的首创，后来由尚武的罗马帝国所继承的艺术，文学，和建筑，在今天的西方文化中被统称为 Classic (AHD DEF Art: relating to the ancient Greeks and Romans, especially their art, architecture and literature)。
古典艺术，即古希腊和由罗马所继承的艺术， 讲究的是理性。体现在建筑上，三角形结构的稳定性，体现在栩栩如生的雕塑和几何学上，所谓的黄金分割规律的完美。。。等等。 古希腊的艺术，发展成为一套理论系统，在理念上崇尚民主和自由，在视觉效果上，呈现出协调，对称，庄严和高贵 —— Classic（AHD DEF Art： belonging to the highest rank or class; serving as the established model or standard)，的确是属于最高级别，成为成熟的样本或者标准。
公元前146 年，罗马帝国以武力占领希腊半岛。与民主的古希腊相反，罗马帝国是以武力征服领土的帝国，君主独裁， 崇尚上帝， 建造了教堂， 宣传上帝的威力。底层的老百姓都是文盲，看不懂圣经。怎样让草民明白圣经里的故事呢？—— 图画。文盲不认得字，但形象的图画人人能看懂。 教堂里墙壁上的画和彩色玻璃格窗上的图案，都是圣经里面的故事。博物馆的画廊里，16世纪前的绘画都以宗教为主题，基本上都是“耶稣在十字架上蒙难”，“圣母怀抱着婴儿耶稣”，“一群人围着刚生下的耶稣”。。 艺术是为上帝服务的， 因为只有教堂有钱雇佣画家，严格地讲，那时的画家就是画匠，艺术屈居于下。从罗马帝国延续下来，一切文化艺术都处于宗教的控制和阴影之下，历史上称为 黑暗时期（Medieval）, 历时了一千多年。
直到公元16世纪，教会的腐败导致改革运动和分化，人们对于思想和知识的重新认识和探索，加上新兴的海上商业贸易和银行家日益增多的财富，上帝不再是艺术家服务的唯一对象。思想上的逐步解放，科学上的突破与进步，酝酿着一场新的百花齐放，百家争鸣，这就是欧洲的“文艺复兴” － Renaissance，就是要重新唤醒古希腊罗马的传统 ——Classic。
从文艺复兴开始到印象派产生之前，欧洲绘画的发展，几乎全是以对客观现实的准确表达为目标的。文艺复兴时期发展和成熟起来的透视学(Perspective) 和解剖学 (Anatomy)，更是让绘画技巧达到了登峰造极的顶峰。
从19 世纪开始，一场工业革命在欧洲方兴未艾。雕塑工艺，手工要花几年功夫完成，现在工厂的铁模子里浇铸，一下子出来几十个。工业革命节省了人们的时间，普及了艺术，艺术不再为皇帝贵族所垄断。照相机的发明，不得不说是对传统绘画的一个严重的挑战。以前的画家都是靠给雇主，皇家，贵族画肖像为生的。肖像之外，也都以写实为题材，无外乎宗教，历史，或者自然风景。原来需要画家几天或几个月的时间完成的油画，照相机只需“咔嚓”一秒钟。如果说画图是以精确为目标，画家赔上大量时间也斗不过照相机。很多画家放弃了对写实技巧的追求，把艺术表现的目标，从真实的模仿转移到自己的主观感受的表现
法国巴黎是现代艺术的摇篮。从19 世纪中叶开始，出现了各个流派的大胆尝试，非常活跃。开始出现毕加索的立体派, 莫奈的印象派，马蒂斯的野兽派。接下来，后印象派，抽象派，超现实主义，达达主义 ，观念艺术，行为艺术。。。 各种流派，其实还是万变不离其宗——艺术家对传统艺术的反叛，挑战，和探索。这些大胆突破和尝试被称为“前卫艺术”—— Avant-garde。
1917年6月，纽约独立艺术家协会计划在纽约中央大厦举办第一届展览。法国艺术家杜尚（Marcel Duchamp)，达达主义的代表人物，拿一个公共厕所里的男性小便斗，拍了一张照片，将其命名为《泉》，送去参加展览。毫无疑问，这件作品立即遭到了艺术家协会的拒绝。杜尚明白自己的艺术观念太超前， 时下无人能接受。他把小便斗搬到了博物馆。这个现成品向人们提出了这样的疑问：到底什么是艺术品？什么是艺术？艺术和生活距离有多远？而所谓的《泉》，其实就是一个小便斗，不是杜尚自己创作的，只是杜尚从商店里用 $6 买来的，签上个名，冠以《泉》而已。
此事在当时的艺术界引起了极大的轰动，有些评论家指出这件作品是剽窃，因为它是工厂生产的现成工业品。杜尚书面答辩说：“这件《泉》是否我亲自制成，那无关紧要。是我选择了它，选择了一件普通的生活用具，给予它以新的标题，使人们用新的角度去看它，这样它原有的意义就丧失殆尽，却获得了一个新的内容”。
这件艺术品的问世表明，“达达主义”对传统艺术的否定，它的意义在于，将生活中的现成品提高到艺术品的高度加以肯定。它标志着生活和艺术的界限已取消，生活就是艺术。
《泉》带来的最直接的问题是：“什么是艺术？如果小便斗是艺术，那还有什么不是艺术？如果没有什么不是艺术，那什么都是艺术，如果什么都是艺术，那意味着什么都不是艺术，如果什么都不是艺术，那么，艺术也就只剩下了对艺术本身所发出的疑问和追问”。
杜尚的《泉》在艺术历史上的意义是非凡的，为什么呢？因为它打破了一般人对艺术的盲信，对艺术的期待 ——期待的破灭——破灭后的反思，这才是这件“艺术杰作”的真正的思想内涵。
西方艺术在 19 世纪之前发展缓慢，19世纪以后有了突飞猛进。艺术家企图在形式上脱离“客观现实”，在内容上发泄“主观意识”。创作出很多抽象作品，迷惑了很多观众。人们在猜想，艺术家有什么高深的思想或者意图？其实不必。杜尚不就是利用了小便斗，意图是要人们突破对艺术的幻想，跟那个小便斗的功能风马牛不相及。所以，猜想达芬奇的《蒙娜丽莎》那神秘的微笑是什么含意，那是在曲解，猜想毕加索的《女性裸体》是暗指他的某某情人，那是在白费功夫 。
那么，中国的艺术又是怎么一回事呢？在中国，绘画作为一门独立的可供欣赏的艺术，可追溯到1600 年前魏晋时期。中国的传统艺术讲究的是和谐和意境，所谓虚虚实实，朦朦胧胧，类似于印象派。我在什么地方看到一篇评论，说中国画比欧洲的印象派要超前几百年，本人认为这样的说法不合理。 在中国古代，画图艺术从来就没有成为一种职业，琴棋书画被视为雕虫小技，国画是封建士大夫的业余作品， 饭后茶余的消遣品。中国封建士大夫都是科举高人，古代的精英，他们以儒家的入世精神开始，在仕途上奋斗，然后转入道家的出世情怀，他们把这个情怀表现在他们的文学艺术的创作之中，仅此而已。
对照那些西洋油画，技巧上的精工细致，已达到了淋漓尽致的地步，现实生活的被动描绘，有景无意，已被时代淘汰。而那些抽象画， 有意无景 ，迷惑观众。只有中国画，有那么点儿“近大远小”的透视效果，有那么点儿“轻重深淡”的解剖意识，但都不那么刻意，不那么精确，忽实忽虚，寥寥数笔，栩栩如生，微妙微俏，点到为止。 所谓的写意，“意”和“景”之间的分寸，拿捏得十分讨巧，达到了艺术上的极高境界。
中国画有一个特征就是诗意， 所谓“画中有诗，诗中有画”，我相信世界上除了中文，任何一种语言都不具备这样的特征 。另外一个特征就是简洁， 诗词歌赋，是用最少的词汇创造最丰富的意境，国画中一笔能传神的，决不会多费笔墨， 这叫“以简制繁”。 围棋是“以简制繁”的很好的例子：只有黑白两种颜色，规则也最少，却是最复杂的游戏。它是一种理性和感性综合的游戏，不光靠局部的计算，还要具备综合判断和直觉的能力。“简洁” 是所有艺术中的最高境界，其箴言：“Less is More”。
从另一角度看中国画：中国人在智慧结构上属于感情有余而理性不足的民族，中国文人秉性儒家的中庸之道，精于心计，表现在艺术作品上，那般的含蓄，隐忍，潇洒，淡定。 在神态风韵上，或是有意，或是无意，艺术的最精妙之处，就是有一种说不清道不尽的魅力，实在是一言难尽，一言难尽啊！
中国画到现在为止，没有实质上的突破和进展。道具上，离不开笔墨纸砚，内容上，或是人物山水，或是花卉禽鸟。画面上，前题诗赋，后续跋文，盖上几方红色印章，拿去裱一裱，或是横放，或是竖挂。一套一成不变的程序，似乎发展空间也不大。虽然中国艺术家也作过努力和尝试，用泼墨的技巧，取代水彩的颜料，但是效果终究不伦不类。 还是 该怎么就怎么吧，过度的追求突破和进展，反倒会带来彻底的混乱和倒退。企图整规文明，反倒严重地损伤了文明，这不是我们现在常见的现象吗？
